Bernard Aubertin

Bernard Aubertin è nato a Fontenay–aux–Roses, in Francia nel 1934. Vive e lavora a Reutlingen, in Germania.
Folgorante e decisivo per la carriera artistica di Bernard Aubertin sarà l’incontro nel 1957 con Yves Klein, che lo porterà a realizzare le sue prime quattro tavole monocrome rosse. Da questo momento in poi l’uso esclusivo del rosso, colore che richiama all’energia vitale ed al fuoco, sarà l’elemento caratterizzante della sua ricerca artistica. Gli anni Sessanta saranno per l’artista francese assolutamente stimolanti: si confronta con gli artisti internazionali di maggior successo del momento come Piero Manzoni, Lucio Fontana e lo stesso Yves Klein con i quali fonda il Gruppo ZERO e realizza i primi Tableaux Feux, letteralmente quadri fuoco.
L’unicità dell’artista trova compimento nelle serie dei Livres Brûlés, libri bruciati durante suggestive Performance o da bruciare nelle cui pagine inserisce fiammiferi, micce, sacchetti di polvere fumogena, ceri, invitando lo spettatore a dare fuoco al libro.
La bruciatura esprime in pieno il concetto sviluppato dagli artisti del Gruppo Zero, impegnati ad azzerare l'arte precedentemente creata per ripartire dalle sue ceneri con una nuova visione, essenziale e minimale.
 
Bernard Aubertin è tra gli artisti selezionati per la 54° Biennale di Venezia 2011, Padiglione Arabo-Siriano.
 
Una delle sue ultime Performance, Art Brûlée tenutasi il 12 giugno 2010 presso l’Accademia Cignarola di Verona, ha avuto un notevole successo di pubblico e partecipazione ed è stato l’evento più importante che ha visto Bernard Aubertin protagonista durante un suo breve viaggio in Italia.

Matteo Bergamasco

Mats Bergquist

Blue and Joy

Paolo Ceribelli

Paolo Ceribelli nasce l’8 luglio1978 a Milano.
Inizia il suo percorso artistico sperimentando numerosi temi e tecniche espressive: dalla stilizzazione delle più comuni azioni quotidiane dei suoi primi lavori ai tentativi in tecnica a olio (dipingendo con le mani) passando per la scultura in gesso.
Nel 1999 inizia una profiqua collaborazione con un gruppo di writers ed alcune associazioni no profit assieme ai quali intraprende, nelle aree industriali dismesse, un lavoro fotografico sull'arte murale. Influenzato da questa esperienza riprende a lavorare su tela con nuovi materiali, tra i quali il silicone e lo stucco murale. Nel 2000 ne nascono tre progetti astratti: Macchie di vita, Attirare lo sguardo, Solchi materici.
Nel progetto Superm-art del 2002 riaffiora l'interesse per i gesti quotidiani, colti nella loro ripetitività ed espressi tramite una tecnica mista che impiega collage di materiale pubblicitario legato alla grande distribuzione e pittura acrilica.
Il 2006 rappresenta la svolta creativa definitiva nella direzione di una ricerca artistica nuova nelle tecniche e nelle tematiche: nasce Soldiers. Si tratta di collage tridimensionali composti da piccoli soldatini di plastica immersi in bagni di colore e diposti sulla tela in modo da formare mappe geografiche. Attraverso queste opere l’artista mostra tutta la maturità e la coerenza delle sue scelte artistiche grazie alla forza e alla chiarezza nell’uso del mezzo e la percorrenza di volute ambiguità che lasciano aperta ogni lettura.

Toni Costa

Toni Costa nasce nel 1935 a Padova, dove vive ancora adesso. Nel 1959, insieme a Mariani, Massironi, Biasi, Landio e Chiggio, è cofondatore del Gruppo N di Padova, un collettivo di lavoro e ricerca che pone al centro della propria poetica l'analisi sistematica dei fenomeni di percezione. In un testo programmatico questi artisti si dichiarano "disegnatori sperimentali", liberi dalle tendenze artistiche del momento e accomunati dalla volontà di trovare una nuova definizione di arte. Le attività dei singoli membri e del gruppo sono strettamente correlate: sono molte, infatti, le opere realizzate collettivamente rifiutando la personalità individuale degli artisti, in linea con le tendenze del movimento europeo dell'arte cinetica che vedeva il lavoro di equipe come modello ideale per il continuo sviluppo artistico. Il suo lavoro è spesso caratterizzato dall'incontro tra il mondo dell'arte e quello dell'indagine scientifica: un insieme di regole logico-matematiche assurge a sistema, diventando il fondamento dell'arte ed esprimendo l’ideale di un perfetto ordinamento razionale. Ad oggi, Costa ha partecipato a tutte le esposizioni ufficiali dell'arte programmata, ribadendo la singolarità della sua ricerca artistica, che è ricordata come una delle più emblematiche dell'arte cinetica insieme a quelle di Colombo, Calder e Vasarely

Le opere dell'artista sono presenti nei più prestigiosi musei del mondo, dal Moma di New York alla Galleria d'Arte Moderna di Roma

Vanni Cuoghi

Paolo De Biasi

Paolo De Biasi è nato a Feltre nel 1966. Attualmente vive e lavora a Treviso. Architetto, ed artista da sempre, solo  da due anni decide di esporre al pubblico il suo lavoro, attraverso la partecipazione al Premio Celeste, di cui è finalista nel 2007. E’ proprio questo premio, che lo spinge a confrontarsi ora con il mondo delle Gallerie e delle Istituzioni d’Arte Contemporanea con ottimi riscontri di critica e pubblico.

Roberto Demarchi

Roberto Demarchi è nato nel 1951 a Torino.

Il suo percorso artistico, iniziato nel 1969, ha consapevolmente scelto rari momenti di pubblica visibilità. Nel 2005 ha firmato il suo manifesto etico in cui spiega il rifiuto di aderire alle convenzionali logiche di mercato e la scelta di lavorare in piena libertà e autonomia. Nel 2001 l’artista ha iniziato il ciclo Perì Physeos (Della Natura) rappresentando una profonda riflessione sul pensiero dei filosofi presocratici. Da allora la ricerca del pittore si è orientata anche sull'interpretazione e rappresentazione delle tragedie di Eschilo e di episodi sacri tratti dall'Antico e dal Nuovo Testamento. La sua arte scaturisce da meditate premesse di ordine storico e filosofico tradotte in un linguaggio pittorico peculiare e difficilmente inquadrabile nelle grandi tendenze del contemporaneo.
Nel 2003 l'editore Crocetti ha pubblicato una importante monografia del ciclo Perì Physeos realizzata sotto il patrocinio della Presidenza del Consiglio Comunale di Roma e presentata in Campidoglio e a Palazzo Bricherasio a Torino, che raccoglie le testimonianze di alcuni dei più autorevoli letterati, poeti e filosofi italiani ed europei contemporanei.

Le mostre di Roberto Demarchi sono curate e presentate da due dei più autorevoli Storici dell’Arte italiani. Il Professor Antonio Paolucci, Direttore dei Musei Vaticani, che nel 1995 ha ricoperto la carica di Ministro per i Beni Culturali, nel 2009 ha curato e presentato la mostra Genesi del Mondo e Genesi dell’Arte, allestita presso Santa Maria del Popolo a Roma. Il Professor Claudio Strinati, già Soprintendente al Polo Museale di Roma, autore di numerosi articoli scientifici sulle principali riviste italiane, ad Aprile 2011 ha presentato e commentato l’opera La Passione secondo Matteo, riflessione in astrazione sull’omonima opera di J.S. Bach, presso la Pinacoteca Ambrosiana di Milano; a fine anno curerà una mostra dedicata all’artista dal titolo Vangeli Astratti in Santa Rita in Campitelli a Roma.
Le opere dell’artista sono esposte in permanenza presso la Galleria Genesi di Milano e presso la Galleria Mercurio di Torino.

Fulvio Di Piazza

Salvatore Elefante

Salvatore M. Elefante nasce a Napoli nel 1980. Nel 2006 si trasferisce a Barcellona dove studia fotografia all'Istituto Superiore di Disegno.
Nella sua relazione con la fotografia si distanzia dal ritmo del lavoro foto-giornalistico, prendendosi il tempo necessario per costruire i suoi soggetti. Usa la fotografia come uno strumento che ha l'abilità di penetrare profondamente nella realtà, cosciente dell'assurdità di dare alla stessa lo stato di verità oggettiva. I suoi lavori prendono sempre spunto da implicazioni emotivo-razionali con i soggetti trattati. Tra i suoi ultimi progetti ci sono Iconografia Napoletana dove esplora il tessuto connettivo religioso della città nella quale è nato e WE AR dove studia l'abbigliamento come linguaggio ed elemento fondamentale, assieme al corpo e allo spazio, per un'analisi identitaria.
I suoi lavori sono presenti in varie collezioni private tra cui quella del Musée de l'Elysée di Lausanne in Svizzera e quella della Michaelis School of Fine Arts di Cape Town in Sud Africa.
Ha partecipato a numerosi festival: Emergent-Photography and Visual Arts International Festival (Lleida, Spagna); PhotoIreland - Ireland's International Festival of Photography (Dublino, Irlanda); Flash Forward Festival 2010 (Toronto, Canada); Fotoweek DC 2010 (Washington D.C., USA); Les Rencontres d'Arles 2010 (Arles, Francia).
Ha esposto anche a Barcellona, Budapest, Miami, New York e Milano.

Ron English

Ron English nasce a Dallas nel 1959. Vive e lavora a New York.
L'artista raggiunse la fama alla giovane età di 22 anni quando mise in ginocchio la multinazionale del tabacco Camel con una campagna che criticava l'uso di un cammello in forma cartoon per far avvicinare i giovani al fumo: English con incredibili acrobazie sostituì gran parte dei cartelloni pubblicitari del brand con le sue opere hand-made che rappresentavano lo stesso animale ribaltandolo in un personaggio di controinformazione. Dopo aver vinto la sua battaglia contro il colosso del tabacco, che infine ritirò la denuncia contro il ragazzo per evitare un ulteriore danno di immagine, l'artista rivolse le sue attenzioni al clown Ronald del famoso marchio di fast food, realizzando sculture che ispirarono il documentario di Morgan Spurlock Super Size Me.
Incubo delle multinazionali, English è strettamente collegato alla campagna presidenziale di Barack Obama per cui realizzò un'immagine con la faccia del candidato sovrapposta a quella di Lincoln che è oramai diventata una vera e propria icona.
Nel 2010, il marchio di vodka Absolut lo sceglie per proseguire il progetto di Urban Art Absolut Wallpaper, iniziativa che vede l'azienda impegnata nella valorizzazione artistica di spazi e muri delle città italiane: le sue opere di Milano e Roma si inseriscono perfettamente nella sua ricerca estetica, caratterizzata da rielaborazioni di celebri capolavori della storia dell'arte ed originali interpretazioni di icone e miti della cultura pop.
Considerato uno dei più grandi esponenti del cultural jamming, la pratica di mescolare insieme stili, epoche ed arti superando i confini finora tracciati, nel 2009 espone per la prima volta in Italia con una personale presso The Don Gallery. Ha recentemente inaugurato la sua ultima mostra presso la Opera Gallery di New York.

Emanuela Fiorelli

Andrea Francolino

Andrea Francolino nasce a Bari il 27 aprile 1979, vive e lavora a Milano.
Nel 1997 si diploma presso il Liceo artistico di Matera dove risiede e nel 2004 si diploma in scultura all'Accademia di Belle Arti di Bari.
Andrea Francolino, strappa i miti graffiati dalle sue tele per racchiuderli in appositi packaging. Uno scherzo, che tradotto in un linguaggio fatto di slogan, marchi e giochi di parole, racconta molte cose attraverso l'ironia: alle volte tagliente, ma sempre divertente, semplice, immediata. Un gioco ironico che non dimentica mai la realtà. Le domande che sorgono al momento di trasferire un'icona in un'immagine nuova, sono svariate. Ma accomunate dalla rappresentazione. Da qui, la realizzazione quasi pubblicitaria di soggetti - i cui corpi, messi in posa appartengono a perfetti sconosciuti - che sarebbe fuori luogo vedere su cartelloni o riviste; ma che diventano opere d'arte pop-consumistiche. Icone sempre attuali, come Fidel Castro o Woody Allen, vengono rivisitate in modo inusuale: ed è per questo motivo che Allen si trasforma in Aulin, marcando con un farmaco il nostro contemporaneo ipocondriaco; e un Fidel diviene Lidl: chiaro invito al consumismo capitalistico. E ancora, lo statista Stalin che rappresenta la compagnia Stalin e Oil; Mao Tze Tung che diventa Miao, intento com'è a cucinare un gatto con contorno di crocchette. Si gioca così in modo ironico sul nome e sul fatto. È il caso di Michael Jackson, trasformato in più bianco non si può grazie al noto detersivo; e della sua amica del cuore, l'attrice Liz Taylor famosa per i suoi gioielli kolossal, che viene sì riprodotta nel massimo della sua bellezza, ma sgranocchia crackers in felpa e ciabatte.
Ingrediente unico delle opere di Andrea Francolino è il catrame. Cosparso sulla tela, viene poi tolto attraverso l'originale tecnica abrasiva della scartavetratura. Fatica fisica, prestata alla risoluzione dell'immagine. Tanti sono i personaggi che animano le opere: Pollock, Bacon, Moana, Totò, Gandhi, Meucci, Martin Luther King, Hitler, Mussolini... Una sorta di terapia di gruppo che solletica la vista e la mente, regalando un sorriso.

Michelangelo Galliani

Erwin Olaf

Erwin Olaf nasce a Hilversum in Olanda nel 1959. Vive e lavora ad Amsterdam.
Mescolando giornalismo fotografico e fotografia in studio, Olaf si fa notare sulla scena artistica internazionale nel 1988 quando la sua serie Chessmen si aggiudica il primo premio nella Young European Photographer Competition. In seguito a questo riconoscimento, gli viene dedicata una mostra presso il Ludwig Museum di Colonia (Germania) che gli assicura grande notorietà.
A partire da questo momento, l'artista inizia ad esplorare in profondità le tematiche relative al sesso, alla sensualità, all'umorismo, alla disperazione ed alla grazia, che svilupperà nelle serie successive. Dopo il suo debutto fotografico caratterizzato dall'uso del bianco/nero, Olaf inserisce gradualmente il colore e la manipolazione digitale nelle sue opere. Famoso anche per il lavoro in ambito commerciale e pubblicitario, l'artista realizza raffinati commenti, ricchi di humour e visivamente folgoranti, ai processi comunicativi dei mondi della pubblicità, della moda, dei tabloid scandalistici e della fotografia pornografica. Le sue opere sono consapevoli assemblaggi di linguaggi eterogenei con cui l'artista crea radiografie impeccabili e leggermente destabilizzanti dell'immaginario mediatico contemporaneo. I protagonisti guardano dritto in faccia lo spettatore incarnando sfacciatamente gli incubi e le spersonalizzazioni prodotti dai processi di comunicazione di massa e dunque parte essenziale del nostro quotidiano.
Il fotografo ha tenuto personali di rilievo in importanti spazi espositivi quali il Museum Stedelijk di Amsterdam, il Paris Photo di Parigi e la galleria Wessel O'Connor di New York.

Nel 1988 ha vinto il premio Giovani Fotografi Europei e nel 1998 il Leone d'Argento a Cannes per la campagna pubblicitaria realizzata per Diesel.

Fabio Giampietro

Fabio Giampietro nasce a Milano nel 1974, dove vive e lavora.
Si laurea nel 1998 presso l'Istituto Universitario di Lingue Moderne IULM a Milano.
Fabio Giampietro realizza dipinti spesso di grandi dimensioni su cui stende il colore ad olio per poi raschiare via quello stesso pigmento e far emergere il bianco della tela a creare effetti di luce e contrasti tonali con i grigio-ocra della pittura che danno forma alle architetture.
Le sue Vertigo sono vedute estreme di città spesso immaginarie ma per nulla irreali; inquietanti metropoli moderne che rimandano a inquadrature cinematografiche e immagini da fumetto. Davanti alle sue tele si viene letteralmente trascinati dentro lo scenario apocalittico di una città in distruzione oppure portati sul ciglio di un grattacielo e costretti a puntare lo sguardo sotto i propri piedi; dalla cima è difficile percepire la presenza degli esseri umani, assenti oppure troppo lontani lì sulla piazza e così si resta soli con le proprie inquietudini davanti a città immense ma desolate; gli edifici invadono lo spazio della tela e proseguono oltre suscitando quasi un senso di soffocamento.
L'opera di Giampietro fa provare l'ebbrezza della vertigine e allo stesso tempo la paura di cadere, la paura della fine e oscillare tra le due sensazioni lascia in quel senso di precario equilibrio, metafora del disagio del vivere, a metà tra voglia di voltare lo sguardo e oscuro desiderio di lasciarsi cadere, tra razionalità e impulso, convenzione e meraviglia.
La nuova serie di lavori parte ancora dal senso di vertigine nella costruzione dell'immagine: numerosi palazzi colti dall'alto in prospettiva diventano come pixel dal cui accostamento si generano soggetti o icone. E' così che lo sguardo è condotto attraverso due possibili letture, quella di edifici ammassati o quella di figure, volti, personaggi che da questi sono costruiti; ma c'è un terzo livello di lettura, dove le due visioni si sovrappongono generando interpretazioni particolari dell'opera: il Cristo del Mantegna appare steso su di una città anonima e inquietante, come monito di valori morali profondi; un Clown con la bocca spalancata sembra inghiottire la città intera e tutto ciò che l'abita con un riso sarcastico e beffardo.

Chris Gilmour

Chris Gilmour è nato a Stockport, vicino a Manchester nel 1973. Vive e lavora a Udine.
L’artista inglese si specializza nella riproduzione in scala 1:1 di oggetti tipici della vita quotidiana, scegliendo come unico materiale il cartone riciclato.
La verosimiglianza dei suoi soggetti a quelli reali, creati senza alcun sostegno e con il solo utilizzo di colle, crea un effetto di divertimento e di stupore, grazie alla semplicità dei materiali contrapposto all’incredibile cura nella ricerca del dettaglio. Gilmour prende ispirazione da oggetti domestici appartenenti alla vita quotidiana e da icone socio-culturali estremamente “pop”, quali ad esempio la “Lambretta” o la “FIAT500”, simboli capaci di trasmettere emozioni, innescando il principio interattivo tra spettatore ed opera.

Nel 2006 l’artista ha vinto la VII Edizione del Premio Cairo con l’opera Auto Taxi.

Sulla scena artistica statunitense, tra gli operatori più importanti del settore che si occupano di Chris Gilmour citiamo la rinomata Galleria Freight and Volume di New York.
In Italia l’artista è principalmente rappresentato dalla Galleria Marcorossi di Milano dove si è conclusa a fine marzo 2011 l’esposizione Non è tutto come sembra che presentava le sue opere inedite.

Angela Glajcar

Francesco Granducato

Francesco Granducato nasce a Caltanissetta nel 1959. Vive e lavora ad Alassio.
Avverte presto la forte esigenza di dare corpo a quello spirito artistico che sente radicato profondamente dentro di sé. Decide quindi di trasferirsi a Firenze dove si diploma in scultura all’Accademia di Belle Arti. Da qui comincia la sua ricerca nell’ambito di varie correnti artistiche ma senza sentire un particolare legame con alcuna di esse.
Viene, infatti, attratto dalla sperimentazione che vede, anche nell’uso dei più diversi materiali, come una fonte continua di nuovi stimoli ed idee.
È proprio nei luoghi di ritrovo abituali che la sua attenzione viene attratta dal possibile riciclo di alcuni materiali usuali; la lamina metallica delle lattine vuote darà vita a numerosi interessanti lavori, tra cui American Coke e INRI 2000.
Saranno però le cannucce colorate ad esercitare su di lui un’attrazione fortissima. L’esigenza di utilizzare questo materiale diventerà irresistibile e darà corpo alla sua più recente sperimentazione: ritratti, forme astratte, personaggi coloratissimi e mutevoli grazie all’uso di questo elemento.
Un collezionista tedesco in vacanza in Italia, lo nota, si appassiona a questa insolita interpretazione d’arte ed organizza per lui una mostra ad Heidelberg, dove riscuote un notevole consenso di critica e di pubblico. Da qui si apre al mercato e nasce un nuovo desiderio di confronto e ricerca per esprimere sé stesso: sperimentare, lavorare, creare, perché è nel fare che Francesco Granducato trova la sua ispirazione.

Ben Grasso

Ben Grasso nasce nel 1979 a Cleveland (Ohio). Attualmente vive e lavora a Brooklyn (New York).

La pittura di Ben Grasso si basa sull’esplorazione del senso di instabilità e fragilità di tutto ciò che ci circonda. Riferendosi al clima sociale e politico attuale, l’artista vuole sottolineare quanto siano labili in realtà le certezze umane, che possono sgretolarsi da un momento all’altro. In un’atmosfera surreale, Ben Grasso propone immagini altamente suggestive dove gli oggetti, come le case, simbolo della sicurezza e del benessere economico della società contemporanea, implodono e si sgretolano all’improvviso, analizzando in questo modo la relazione che può intercorrere tra distruzione e vita quotidiana.

Principalmente rappresentato sulla scena artistica statunitense, nel 2010 ha ricevuto il “Premio Pittura” della New York Foundation for the Arts (NYFA).

Ben Grasso ha partecipato a numerose fiere internazionali di rilievo negli Stati Uniti e in Europa come Pulse, Scope, Art Chicago, Fiac e Kunst Zurich.

Massimo Gurnari

Massimo Gurnari nasce a Milano nel 1981 dove attualmente vive e lavora. Dopo il diploma al liceo artistico Hajech di Milano frequenta un corso di pittura in Brera abbandonato poco prima della tesi. Nel 1995 comincia a dipingere in strada avvicinandosi ad alcuni dei pionieri del writing in Italia e cominciando a fare le prime tag. Artista storico della Galleria AreaB, chiari nei suoi lavori gli influssi derivati dal mondo del tatuaggio (attualmente è anche tatuatore ma tatua solo le sue opere), della custom culture, dalla pop art (nell’accezione di popular) e dalla street art.

Riccardo Gusmaroli

Riccardo Gusmaroli è nato a Verona nel 1963, vive e lavora a Milano.
La libertà con cui spazia nella scelta dei materiali che utilizza per creare le sue opere è sorprendente e curiosa ma mai casuale: francobolli, cartine geografiche o barchette di carta richiamano viaggi immaginari con rotte impossibili.
Materiali semplici, umili, unione delle esperienze quotidiane della società nella quale viviamo e alla quale l’artista si ispira e si dichiara.
Filo conduttore delle opere di Riccardo Gusmaroli è il movimento, inteso non solo come spostamento fisico dei corpi, ma soprattutto come circolazione di energia pura: questa idea è chiaramente visibile nel ciclo Vortici,  dove barchette di carta disegnano rotte circolari e spiraliforme su tele monocromatiche.
Recentemente le sue opere sono state esposte presso la Galleria Spazia di Bologna in una collettiva di artisti dal titolo 11 e presso la Galleria CircoloQuadro di Milano in una collettiva intitolata Numerouno Enpapier.

Fabio Inverni

Fabio Inverni è nato a Firenze nel 1968. Vive e lavora a Poggio a Caiano (Prato).
Figlio di Francesco Inverni, pittore e insegnante di ornato e figura presso il Liceo Artistico di Firenze fino al 1991, Fabio sviluppa proprio grazie al padre un'innata passione per la pittura come autodidatta.
Durante la sua infanzia, frequenta gallerie, circoli d'arte e accompagna il padre nella visita di varie mostre importanti, tra cui la Biennale di Venezia del 1978. Ma nonostante viva l'arte in senso intimo e familiare, si avvicinerà più tardi alla pittura.
Si iscrive all'Istituto Tecnico Industriale T.Buzzi a Prato e si diploma nel 1988. Nel 1988 si trasferisce a Roma e lavora presso la Faro Disegni come designer di tessuti. Vi rimane fino al 1991, anno che segnerà profondamente e definitivamente la sua vita. Suo padre muore precocemente e di fronte a questa amara realtà, Inverni decide di avvicinarsi alla pittura.
Nel 1992 frequenta gli astisti della storica "Saletta Ambra" di Poggio a Caiano e vi realizza nello stesso anno la sua prima personale.
Oltre all'America, ha esposto i suoi quadri in Europa (Spagna e Belgio) e in Sud America (Cile).
Ha partecipato ad importanti fiere e mostre in varie città d'Italia. I suoi quadri sono esposti in importanti collezioni pubbliche e private.

KayOne

Mark Kostabi

Mark Kostabi nasce a Los Angeles nel 1960. Vive e lavora tra New York e Roma.

La famiglia dell'artista, immigrata dall'Estonia, si stabilisce in California, dove Kostabi rimarrà per i primi anni della sua vita nella località di Whittier. Studia disegno e pittura alla California State University. Nel 1982, si trasferisce a New York e dal 1984 diventa un'importante figura di riferimento all'interno del movimento artistico dell'East Village. Durante questi anni si diverte attraverso l'uso provocatorio dei mass media, realizzando auto-interviste a proposito dell'arte contemporanea. Nel 1987 sbarca nel mercato artistico internazionale, quando le sue opere vengono richieste da gallerie di Giappone, Stati Uniti, Australia e Germania. Nel 1988 fonda Kostabi World: il suo studio, galleria, ufficio a New York. Questa struttura produce grazie ai molti assistenti circa 1.000 quadri all'anno, di cui solo una piccola parte porta la firma del maestro. Dal 1996 divide la sua vita tra New York e Roma dove diventa un modello per molti artisti italiani. Negli scorsi anni si dedica al disegno di marchi pubblicitari e di oggetti di design tra cui orologi Swatch, tazze per caffè espresso, accessori per il computer e recentemente la maglia rosa del Giro d'Italia. Ha collaborato pittoricamente con Enzo Cucchi, Arman, Howard Finster (nel 1992), Tadanori Yokoo (nel 1993) e Enrico Baj (nel 1992). Nel corso della sua carriera ha rilasciato interviste alla CNN e al canale MTV oltre che a numerose riviste e settimanali quali: New York Times, People, Vogue, Playboy, Forbes, New York Magazine, Domus, Artforum, Art in America, Artnews Arts, Flash Art e Tema Celeste.

Le sue opere sono presenti nella collezioni di alcuni dei musei più prestigiosi del mondo: il MOMA di New York, il Metropolitan Museum of Art di New York, il Guggenheim Museum di New York, la Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma.

Michal Macku

Marco Mazzoni

Matteo Negri

Matteo Negri nasce a San Donato Milanese (MI) nel 1982. Vive e lavora a Cernusco S/N (MI). Si è diplomato in Scultura presso l'Accademia di Belle Arti di Brera.
La ricerca plastica di Matteo Negri è condotta attraverso il ricorso a tecniche artigianali; attribuisce grande importanza alla manualità come possibilità di ricerca e scoperta.
L'artista è interessato alla potenzialità espressive dell'oggetto del quale indaga l'essenza organica e architettonica.
Particolare è la scelta dei materiali, come la serie delle Mine realizzate in ceramica. Impreziosite dalle inaspettate reazioni di cottura dell'argilla e dai lampi degli smalti (i bianchi, i gialli, i rossi, il nero metallico), queste sculture diventano magiche e surreali; private della loro funzione primaria (l'esplodere) le mine assorbono nella seduzione della forma e del colore la violenza e la pericolosità insita nella loro funzione.
Da giochi per adulti (giochi di guerra) diventano oggetti innocui da indagare e violare: lacerate, incise, ferite o levigate e accorpate l'una all'altra, se ne apprezzano le componenti formali, cromatiche e gli effetti di luce e ombra che l'artista va ricercando.
Il contrasto tra la tipologia dell'oggetto e il materiale scelto inverte i rapporti: è la mina stessa, strumento di distruzione, a subire la violenza e il rischio di frantumarsi per la fragilità della ceramica con la quale è realizzata; si crea così un sottile stato ironico delle cose che Matteo Negri amplifica in un'opera come Biliardo dove le mine colorate sostituiscono le palle da gioco.
Altrettanta ironia pervade anche la serie L'Ego; i famosi mattoni da costruzione come le mine sono snaturati, privati della capacità di espletare la funzione per cui sono creati (il costruire): non c'è più grande possibilità di incastro e montaggio, i lego in resina sono parzialmente sciolti e fissati su lamiere, si presentano come oggetti fini a se stessi, di cui si può solo apprezzare l'aspetto cromatico e formale. Da giochi per bambini diventano giochi per adulti, sculture, opere d'arte nelle quali riconoscere parte nella nostra infanzia, del nostro (L')Ego.

Yoshie Nishikawa

Paola Pezzi

Simone Pellegrini

Paolo Radi

Lyle Roblin

Il fotografo canadese Lyle F. Roblin nasce a Prince George in Canada nel 1961.
A vent’anni, in cerca d’avventura, si arruola nella marina militare canadese, ma dopo cinque anni di carriera come militare subacqueo specializzato in operazioni speciali e di soccorso, un gravissimo incidente pone fine alla sua carriera attiva. Lasciata la marina, ricomincia a viaggiare, dedicandosi a attività diverse, ma con l’obiettivo di perseguire la sua passione per la fotografia. Approda infine a Milano, dove si stabilisce con la famiglia, dedicandosi a tempo pieno alla professione di fotografo.
Dotato di una sensibilità che fa sì che egli veda e percepisca il mondo circostante con un’intensità che impone uno sfogo espressivo, Lyle è un fotografo della vita sospesa delle cose. Nelle sue immagini, mai convenzionali, cattura quei dettagli che trasformano gli oggetti in icone e i paesaggi in simulacri dello spirito, rivelando l’anima (ma anche i muscoli e i tendini) del mondo in cui viviamo. La sua personalità schiva, unita ad una concezione profondamente intima e privata della sua visione artistica, ha fatto sì che per lungo tempo le sue opere rimanessero inedite, e venissero esposte esclusivamente in mostre private per un pubblico limitato di estimatori e investitori. Recentemente, tuttavia, il successo riscosso in occasione di eventi pubblici (dall’asta benefica The Art of Photography del1999 alla recente asta organizzata da Sotheby’s per Art and Charity a Montecarlo nel 2007) hanno convinto l’autore ad ampliare l’esibizione delle sue fotografie a gallerie e altri spazi-mostra. Nel maggio 2008 una sua personale, intitolata La vita sospesa delle cose, organizzata dal Piccolo Museo Sereno presso la Società Umanitaria di Milano con il patrocinio della stessa, ha suscitato l’attenzione del pubblico e della critica. Un’accoglienza analoga è stata riservata alle mostre successive.

Dim Sampaio

Simmons & Burke

Case G. Simmons è nato nel 1983 a Clinton, IA.
Andrew S. Burke è nato nel 1982 a Greensboro, NC.
Attualmente vivono e lavorano a Los Angeles, CA, USA.
“Simmons & Burke”, il binomio di un’acuta collaborazione nata tra l’artista Case e il musicologo Burke, dà vita ad una innovativa sperimentazione in cui musica e immagine si fondono in un'unica esperienza artistica. I due artisti concepiscono dunque Visual Sounds digitali, definiti come un’interpretazione contemporanea degli storici Collages realizzati nei primi anni del Novecento. Le stampe sono sature di immagini e di figure assemblate senza apparente ordine logico, a ricreare un’atmosfera onirica e surreale. Ogni opera è accompagnata da una raccolta di tracce audio, che cambiano costantemente e che permettono di vivere un’esperienza di fruizione irripetibile.

Le loro opere fanno parte della Collezione Guggenheim e della Collezione Pubblica Digisynd a Burbank, CA.
Gli artisti, inediti al panorama artistico italiano, hanno realizzato numerose esposizioni internazionali in prestigiose location quali il Dvorak Sek Contemprary di Praga nel 2008, l’Hyde Park Art Center di Chicago, l’House of Campari di Los Angeles nel 2009.

Marco Tirelli

Marco Tirelli nasce a Roma nel 1956. Vive e lavora tra Roma e Spoleto.
Nel corso della sua formazione presso l'Accademia di Belle Arti di Roma, incontra Alighiero Boetti che diventerà per lui un'importante guida nel mondo dell'arte, aiutandolo ad aprire gli occhi sui meccanismi del mercato artistico ed a convivere con le ansie e le esaltazioni di essere un artista. Altra figura di rilievo per la ricerca artistica di Tirelli è Toti Scialoja, con cui si diploma in scenografia, che gli farà scoprire la superficie come spazio di confronto fra il mondo fisico e il luogo dove inizia l'idea del vedere attraverso, poiché nelle parole dell'artista "nel momento in cui l'occhio si posa sulle cose le rende metafisiche".
Per Tirelli, la superficie è un'illusione fisica, la pittura crea su di essa un incantesimo che dà allo spettatore la sensazione di attraversarla, mettendo nel sacco le apparenze. Da sempre interessato all'illusorietà della percezione, l'artista si ritira per 15 anni nella campagna isolata di Spoleto per meditare sul mondo e sulla sua espressione artistica: nel corso di questi anni arriva a definire la sua arte come una via di mezzo fra la ricerca estetica di Malevitch e quello di De Chirico fondata sul percepire inteso come continua trasformazione del senso delle cose (che cambia a seconda del nostro modo di vedere).
Molto apprezzato nell'ambito newyorkese ed in Giappone, l'artista ha esposto le sue opere in numerose mostre in Italia e all'estero ed ha partecipato a Biennali internazionali tra cui la Biennale di San Paolo, la Biennale di Sidney, la Biennale di Parigi e la Biennale di Venezia (nel 1981 e nel 1992 con una sala dedicata).

Leonid Tishkov

Leonid Tishkov nasce a Nizhnye Sergi in Russia nel 1953. Vive e lavora a Mosca.
Dopo aver completato la specializzazione in medicina, Tishkov abbandona l'attività medica per dedicarsi alla sua passione artistica e si inserisce nel vivace panorama culturale del concettualismo moscovita. In breve, si fa conoscere come disegnatore, illustratore, caricaturista e poeta, utilizzando la sua fervida fantasia per creare immagini fantastiche che lasciano grande spazio all'immaginazione. Negli anni '90, i suoi interessi si ampliano ulteriormente con la fondazione di una casa editrice che gli permette di pubblicare i suoi lavori e quelli degli altri artisti in maniera indipendente e la scoperta di un talento innato per le installazioni e le video performance.
È con la serie Private Moon che Tishkov raggiunge il grande pubblico. Questo progetto nasce come evoluzione di una installazione dedicata a Magritte realizzata dall'artista nel 2003 vicino a Mosca: il fantasioso russo decide di realizzare concretamente il soggetto di un celebre quadro dell'artista francese, Seize Septembre, e durante una notte limpida appende una luminosissima luna alta più di 2 metri, una lampada chiamata Personal Moon, tra i rami di un abete nel mezzo di una radura deserta. Successivamente staccato e portato nel mondo reale, questo affascinante oggetto ha continuato a sprigionare un sorprendente effetto poetico nei diversi ambienti in cui è stata collocato, da un'angusta stanzetta ad un tetto di una grigia città. La luna, con il suo potere di conquistare tutti grazie al suo aspetto etereo, è un patrimonio emotivo che lega da millenni ogni essere vivente e per questo Tishkov ha deciso di immortalare la sua magia nei suoi scatti e nelle sue installazioni. La serie risultante è un romantico racconto visuale in cui un uomo trova la luna e decide di vivere con lei tutta la vita, una poesia metropolitana che racchiude tutta l'ingenuità e la sofisticatezza della Russia.

Le sue opere sono presenti in importanti musei e collezioni private come il MOMA di New York, il Victor & Albert Museum di Londra, la State Tretyakov Gallery e il MMOMA di Mosca.

Paolo Troilo

Paolo Troilo nasce nel 1972 a Taranto. Vive e lavora a Milano.
Le opere di Troilo sono autoritratti in cui l’artista esprime i propri stati d’animo quali dolore, rabbia e paura, provocati dai tormenti e dai fantasmi del passato che abitano la sua mente.
Partendo da una serie di autoscatti realizzati con una fotocamera digitale, l’artista rielabora poi le immagini sulla tela; la materia pittorica risulta densa, stesa con la massima libertà espressiva direttamente con le dita.
La pittura offre all’artista uno strumento concreto attraverso il quale riesce a creare un collegamento tra conscio e inconscio, dando forma a ciò che altrimenti non riuscirebbe ad esprimere a parole; è come se l’arte fosse in grado di mettere ordine nelle proprie esperienze emotive.

L’artista è stato selezionato per la 54° Biennale di Venezia, Padiglione Italia.

In occasione di Arte Fiera 2011 la Galleria Spazio Testoni di Bologna ha presentato la mostra Magnetismi, realizzata da Troilo assieme all’artista Fabio Giampietro.

Antonella Zazzera